Kings Go Forth - The Outsiders Are Back (2010)

En un momento en el que el recurso al revival ha estimulado la presencia del soul en la industria de la música, en el que pseudoartistas sonámbulos y perezosos se limitan a rememorar viejos tiempos a través de manidas rutinas. En una etapa de la vida donde la mayoría de los músicos renuncian a sus sueños musicales para pagar la hipoteca y fundar su propia familia, estos tipos de Kings Go Forth han tenido la suficiente capacidad y agallas para emprender una nueva hoja de ruta, para crear algo nuevo a partir de lo añejo.

Tomado prestado de una famosa película homónima interpretada por Frank Sinatra y Tony Curtis en 1958 añadan este nuevo nombre a su listado de grandes artistas. Esta banda de Wilwaukee integrada por diez componentes fue fundada tras un encuentro casual en una tienda de discos por el vocalista Black Wolf y el bajista Andy Noble. El pasado mes de abril editaron su disco de debut bajo el sello Luaka Bop. Una maravilla. Aunque recoge temas ya editados por el grupo como singles en el año 2007, lo cierto es que resulta coherente y consistente. En lugar de una colección de partes que no se corresponden, parece un trabajo único y con sentido. Su sonido sacudió mi alma como un terremoto, parecían la pura reencarnación del gran Curtis Mayfield. Desde una sólida base, sus ritmos funky complejos impulsan con fuerza las canciones, canciones con garra, con una potente sección de metales y cuerda culminándolo todo con las insistentes voces de Black Wolf, Dan Fernandez y Matt Norberg quienes sin tener la presencia y la personalidad de, por ejemplo, Sharon Jones, lo compensan con su espíritu y sentimiento. Aunque todos los cortes rayan a buen nivel, es en los temas up-tempo donde el disco literalmente se sale.

Con un conjunto formado por tres vocalistas, además de una sección rítmica completa e integrados por una amplia gama de edades y etnias, este grupo aunque se basa gran parte de su inspiración en el rnb de los años sesenta (Chicago) y 70 (Philadelphia), es capaz de crear su propio sonido. En realidad estamos ante una banda anclada firmemente en el presente y con los ojos mirando hacia el futuro que nos brinda un funky/soul absolutamente canalla, estrepitoso, feliz y brillante.

Olivier Daysoul - Labor (2010)

El pasado 15 de octubre se editó el EP The Mr. Saint Louis de la mano del productor/compositor Odisee para este crooner/compositor con sede en Washington. El trabajo lleva la marca de agua de este prolífico productor en el que nos presenta a este artista que parece pretender hace honor a su apellido sirviéndose de su sex-appeal y su suave timbre de voz.

Olivier es un trotamundos, un infatigable viajero (habrá dado la vuelta al mundo un par de veces) conocido por sus colaboraciones con Hudson Mohawke, un artista que nos viene proponiendo fantásticos viajes intergalácticos instrumentales, herederos del funk psicodélico de los años setenta. En su anterior trabajo Kilawatt (2008) apostó por el electro neo-soul, sin duda marcado por el propio Mohawke y el hip-hop/rap que marcó su adolescencia. Sin embargo, con su nuevo EP se inclina por un soul más retro, definitivamente más agradable que su álbum anterior. Libre de cualquier atadura o etiqueta, sus viajes por todo el planeta han abierto su mente a toda nueva experiencia apostando por la innovación en cada nuevo trabajo aún cuando este último sea su entrega más convencional hasta la fecha.


Lizz Wright - Fellowship (2010)

Dos años después de Orchard (2008), aquel magnífico trabajo todo explosión creativa, el sello Verve Forecast ha editado Fellowship, ya su cuarta entrega. Incluye un total de doce temas (incluyendo versiones y algunos temas originales) de clara inspiración gospel y que cuenta con la colaboración entre otros de artistas de la talla de Angelique Kidjo o Me’Shell N’Degeocello.

En efecto, nos propone escuchar una serie de versiones de temas gospel tradicionales con los que la artista de Georgia creció en la iglesia, así como otros temas de corte espiritual originales de Eric Clapton o Jimmy Hendrix. Continúa la colaboración con Reagon Toshi, que desarrolla labores de coproducción, y que en el anterior disco añadió responsabilidades en la composición. A diferencia de sus trabajos anteriores, más jazz/soul -que recordaba al estilo Oleta Adams o Jill Scott- en esta ocasión ha apostado por la influencia más espiritual del gospel. Su mayor activo es la maravillosa voz que la adorna: Ese contralto maravillosamente suave, flexible y potente. Lizz Wright es un alma pensativa, sensible que nos abruma con su ardiente y sensual voz, una de esas artistas versátiles que se resiste a ser etiquetada en un determinado género o estilo, una de esas vocalistas con las que te tropiezas un dia casualmente y te enamoras al instante para siempre.

Sharon Jones & The Dap-Kings - Game Gets Old: The Trilogy (2010)


 Cualquier excusa es buena para traer a este espacio a uno de mis grupos preferidos. En esta ocasión ha sido la edición de un cortometraje por parte del director Philip Di Fiore. Concretamente se trata de un video dividido en tres partes que toma el nombre de uno de los temas incluidos en el último trabajo del grupo y que pretende rendir homenaje a aquella década de los setenta de la mano de la música y de una cuidada imagen. En efecto, se apuesta por un estilo visual que recuerda a las portadas de los discos del famoso sello Blue Note o a escenas de las películas tipo blaxpoitation entre un número musical y otro. Se ha cuidado hasta el último detalle puesto que el fotógrafo Christopher J. Lytwyn ha utilizado película de 35 mm y una lente anamórfica de 1964 para lograr ese efecto Panavisión. Cuenta además entre otros con el cameo del gran Lee Fields.

De la banda sonora se ocupa Sharon y su grupo con temas de su último álbum. Poco más tengo que decir que no os haya expresado en anteriores post dedicados al grupo. Así que he optado por citarme a mi mismo: "A diferencia de algunos de los "renovadores", en un mercado que empieza a estar saturado últimamente, Sharon ha estado ahí desde hace tres décadas. Es una vocalista portentosa aunque sin gancho físico mediático que después de estar años y años cantando, le llegó por fin el éxito con el fantástico 100 Days, 100 Nights (2007). La entrega de la artista y su empatía total con su banda se ajusta a la perfección a las normas del género, sin salirse un milímetro, elevando a la condición de clásico cada melodía. Estamos ante un trabajo de pureza inaudita, perfeccionando ese sonido vintage aún más con cada nuevo disco". En fin, este Game Gets Old: The Trilogy es una obra de arte se mire por donde se mire.

Nathan Watson - Reach Out (You Got A Friend) (2010)

Nathan Watson se ha convertido en la nueva sensación de la escena londinense por su ecléctico y fresco sonido pop que se inspira en el funk/soul de siempre con las dosis necesarias para poder ser consumido por una mayoría del público. Sus numerosas actuaciones en directo y sus apariciones en televisión han sido el caldo de cultivo para su impresionante legion de fans que le ha permitido, finalmente, editar el primer trabajo en el sello Strawberry Moon Records.

En efecto, el pasado 20 de setiembre de la mano del productor Steve Salvari presentó este single, como adelanto de su próximo larga duración Student Of Life, que augura un futuro prometedor en el que la música (y Steve) llegó al rescate de una vida llena de problemas en malas compañías... Curiosamente, ahora Nathan se ha convertido en un modelo a seguir. Es joven, dicen que guapo, tiene talento y además conciencia social. Por ejemplo, parte de las ganancias de su primer single irán destinadas a una asociación que se dedica a ayudar a otros chicos menos afortunados que él (Childline Rocks). Todo ello está ejerciendo de catalizador de la carrera artísitica de este joven que ya está siendo comparado con Maxwell y D'Angelo, en mi opinión toda una temeridad. Pero mejor, juzguen ustedes mismos.

Sly Johnson - 74 (2010)

Desde que en el año 2007 Saïan Supa Crew -el colectivo de rap más conocido en nuestro vecino país- decidieran poner fin a su aventura conjunta, cada uno de los miembros ha intentado seguir su propio camino, con mayor o menor suerte. Sly Johnson (Silvère Johnson), beatboxer de la formación, alias The Mic Buddha, ha sido quien ha mostrado un mayor cambio -yo diría que una verdadera metamorfosis tal como anticipaba el EP The June 26th (ya comentado en este blog) y, como finalmente ha confirmado en su primer disco en solitario bajo el título de 74 (año de su nacimiento) editado a finales del pasado mes de setiembre.

En efecto, como afirmaba recientemente el propio artista "Siempre he sido un enamorado del hip-hop. Le voy a ser fiel toda mi vida, pero ya tenía decidido sabía que mi camino musical ya no iba a ser el rap". Animado por su amiga Ayo (la cantante nigeriana que nunca le convenció en su papel de rapero) ha apostado finalmente por un sonido orgánico. El soul y el funk de los años setenta ha sido su elección final (con influencias jazzy), opción que le lleva curiosamente a los propios orígenes del hip hop, para descubrir sonidos, ritmos y colores que le fascinan. Esa mutación del rap hacia el soul se aceleró en el año 2007 cuando murió su madre. Fue un gran shock, se afeitó sus rastas, su voz cambió y su forma de entender la música adquirió un matiz para siempre diferente. Todo ese dolor, su falta de amor, alegría y afecto ha encontrado en el soul la mejor manera de vencer su timidez y poder expresarlo a los cuatro vientos.

Dee Dee Bridgewater -quien al oirle cantar no pudo sino exclamar "That guy sounds like the boys from Memphis!"- se ofreció a producir el disco que finalmente ha sido editado por el sello Universal France. La casa ha puesto a disposición de Sly algunos de los músicos y arreglistas americanos (Larry Gold) más ilustres para insuflar a esta aventura la siempre necesaria calidad en el apartado instrumental. El resultado final está a la altura de las expectativas, un buen álbum de este rapero reconvertido en cantante de soul, tratando de lamer sus heridas a través de la música mientras en los surcos del vinilo crepitan esos arreglos impecables y su hermosa voz plena de soulful.

Mavis Staples - You're Not Alone (2010)

Más vale tarde que nunca, traigo aquí este famoso dicho popular porque creo puede aplicarse al renacer que viene experimentando los últimos años la carrera de esta maravillosa intérprete de Chicago. En efecto, tras casi una década de retiro ha vuelto al panorama musical con una serie de trabajos Have a Little Faith (2004) o We’ll Never Turn Back (2007) que nos han traido de vuelta el excepcional timbre contraalto de la que fuera líder vocal del legendario grupo The Staple Singers, una piedra angular de la música negra norteamericana desde los años cincuenta, "El Tesoro de América".

El pasado 14 de setiembre el sello Anti Records ha editado su último trabajo You are not Alone. Acertadamente el productor Jeff Tweedy (ex-líder y guitarrista del famoso grupo de rock Wilco) ha sabido rodearla en el estudio de grabación con la banda que le ha acompañado en sus giras durante los tres últimos años, por ello se la intuye relajada y cómoda en un entorno que le resulta familiar. Sorprendentemente se nos muestra renovada en una nueva versión como intérprete de baladas, en las que utiliza todo su talento vocal, todos los matices, sin tener que recurrir al poderío de su voz -casi al grito- para llamar nuestra atención, recordándonos lo que siempre fue: una voz de consuelo en tiempos difíciles. Una colección de trece canciones gospel y de versiones de temas de otros artistas, incluyendo dos temas originales escritos por el propio Tweedy.

A medio camino entre el gospel y el blues, es decir entre lo secular y lo sagrado, ella transita sin miedo plenamente consciente de que en realidad hablan el mismo lenguaje: la necesidad de llegar a un lugar mejor. Mavis Staples puede no tener una voz con el rango y poderío de Aretha Franklin, pero ella entiende de la importancia de los detalles en el fraseo que acompaña con una pasión inigualable todo lo que canta, incluso a sus setenta años. No obstante, al igual que el proyecto de Bettye LaVette de principios de este año, You're Not Alone es otra muestra de que la mezcla de los mundos del soul y del indie rock puede lucir bien en el papel, pero tienden más bien a decepcionar en la realidad.

John Legend & The Roots - Wake Up! (2010)

Concebido e inspirado durante la última campaña presidencial de Barack Obama, Wake Up! pretende recuperar ese pasado del rnb más comprometido con el cambio social. El contraste entre la suavidad del cantante John Legend y la pasión/rotundidad del grupo de hip-hop The Roots han empastado finalmente para resucitar once canciones de protesta soul de los años 60 y 70, con el objetivo de evocar y capturar aquel fervor solidario, más necesario hoy que nunca.

La idea que está detrás de Wake Up! es simple: actualizar canciones -en su mayoría desconocidas por el gran público- para despertar la conciencia de una juventud aparentemente aletargada. Musicalmente, The Roots es una de las mejores bandas de la actualidad, dentro y fuera del mundo del hip-hop. John Legend es un notable vocalista que cuenta con dos álbumes neo-soul brillantes en su haber. Entonces, ¿Qué podría salir mal? Tal vez sea la sensación de que el álbum llegó con cerca de dos años de retraso. Tal vez sea el hecho de que The Roots hayan editado How I Got Over este verano en el que ya abordan temas como la inestabilidad política, social y económica. Quizá sea que en ocasiones el disco cae en el discurso facilón y políticamente correcto, por momentos cursi y artificial. Puede ser que la razón esté en que John Legend trate siempre de robar el protagonismo en cada uno de los temas, abusando de los gemidos y de las notas más altas posibles en detrimento de la increíble calidad instrumental de la banda, cuando a pesar de sus seis grammys aún está lejos de poder hacer justicia a clásicos de la talla de Marvin Gaye o Donny Hathaway. Quizás sea que grandes esperanzas son la antesala de las grandes decepciones (en su momento creía que podría ser el disco del año), quizás que no aguanto esas líneas de hip hop/rap o quizás sea que simplemente hoy no tengo un buen día... pero, aunque evidentemente el disco está muy por encima de la calidad media del mercado actual, lo cierto es que no acaba de ser todo lo brillante que auguraba su potencial. En ningún caso logran superar a los originales y se muestran sobrados de arrogancia... para muestra este botón en forma del video correspondiente al tema de Bill Whiters.

Asa - Beautiful Imperfection (2010)

Bukola Elemide, cantante nigeriana popularmente conocida como Asa, está de regreso con su segundo álbum titulado Beautiful Imperfection que se pondrá a la venta el próximo 25 de octubre de la mano del sello discográfico francés Naive. Tras el significativo éxito (sobre todo en Europa) de su anterior trabajo homónimo del año 2008 lleno de soul/pop acústico (ver videos aquí) -y su gira correspondiente- nos volvemos a reencontrar con la voz suave y vaporosa de esta artista, que buscó consuelo a la dura realidad de su infancia en su imaginación e inteligencia confiando en alcanzar algún día sus sueños de estrellato musical.

Con una nueva imagen, reflejo de su propia evolución como persona, apuesta por un cambio en su sonido (más poppy) que le permita expresar su visión más íntima y optimista de la vida; tonos más alegres y felices aunque los problemas sociales sigan presentes en su discurso. El disco se gestó en Lagos, donde la artista encontró su inspiración, así que el álbum es estrictamente sobre su lugar de procedencia, de hecho algunos temas están cantados en su idioma nativo, el yoruba. Sorprende con el que será su primer single, "Be My Man", una pista a un buen ritmo que bucea directamente en las raíces del soul en los años sesenta. De momento me quedo con su anterior versión.

Speedometer - The Shakedown (2010)

Aunque este grupo británico tenga su sede en un país gris, húmedo -y por momentos deprimente- lo cierto es que muestran toda la energía incontenible de cualquier banda clásica de soul-funk de los Estados Unidos en los años setenta. Después de más de una década en los escenarios nos equivocaríamos si les consideramos como burdos imitadores que se suben al carro del retrosoul, de moda de un tiempo a esta parte. Su fervor por el funky es auténtico como avala el hecho de haber trabajado con Eddie Bo, Marva Whitney, Sharon Jones, Sir Joe Quatermain o la cantante Martha High (James Brown).

Fantástico trabajo -editado como siempre por el sello independiente Freestyle- el de este grupo del sudeste del Reino Unido, sin duda uno de los máximos exponentes del funk en el continente europeo. El álbum es funky, puro funk, una bomba a punto de estallar, combinando temas originales y versiones de clásicos. Con The Shakedown han dado un paso más en su carrera al romper con su fórmula tradicional de servirnos básicamente temas instrumentales para editar un trabajo que se ayuda de colaboraciones vocales con el que pretende conseguir una mayor repercusión mediática y de ventas. Un sólido álbum en todo caso que varía en el estilo con la aparición puntual de ritmos afrobeat y latinos pero no en la calidad, que sigue siendo excelente en cada rincón del disco.

Randy Wilson - Up Close and Personal (2010)

Nadie como Randy conoce el peligro que puede suponer tener un estilo, un sonido que recuerde en demasía a un intérprete famoso. En su caso, a quien recuerda es ni más ni menos que a Luther Vandross, uno de los talentos mayores en la escena rnb/soul de los últimos 30 años, todo un icono. Este residente de Oakland, recibió tantas críticas por su similitud vocal que decidió apartarse del negocio de la música por un tiempo. Consiguió un trabajo como conductor de camiones, oficio digno pero muy alejado de las luces brillantes del escenario y del glamuroso estilo de vida que uno puede conseguir como artista.

Nunca dejó de pensar en la música, tenía un montón de ideas sobre nuevas canciones y de cómo perfeccionar su sonido, al fin de al cabo la vida en la carretera te permite disponer de gran cantidad de tiempo para pensar. Finalmente, Wilson decidió volver al negocio de la música editando el pasado 30 de setiembre su segundo disco Up Close and Personal, después de todo ya han transcurrido cinco años desde la muerte de la superestrella... De la mano del productor Robert Anderson y de sus propias composiciones ha tratado de alejarse en lo posible del estilo vocal que recuerde únicamente al maestro para mostrarnos todas sus influencias (Teddy Pendergrass, Will Downing, Marvin Gaye, Al Green y cómo no Luther Vandross); pero es tal su honestidad, la claridad y la pasión que muestra en su voz que no lo logra completamente, lo cual no deja de ser sino todo un piropo para cualquier vocalista.

Irma Thomas - The Soul Queen Of New Orleans (2009)

Durante más de medio siglo la incomparable Reina Soul de Nueva Orleans -un título oficial otorgado por las autoridades locales- se ha situado entre las más importantes e imperecederas embajadoras de la mejor música negra, aunque nunca disfrutara del éxito comercial costa a costa de coetáneas como Aretha Franklin o Etta James. El año pasado, conmemorando los 25 años del sello Rounder, editó esta colección de 15 temas, sin rellenos o pistas de baja calidad, incluyendo tres canciones no publicadas previamente.

Material que bebe directamente del manantial profundo de compositores e intérpretes de New Orleans, entre ellos David Torkanowsky, Allen Toussaint, Dr. John, Pomus Doc, Doyle Bramhall II, Sonny Landreth, James Singleton, Moore Stanton o Henry Butler. En definitiva blues, gospel y soul interpretados por esta magnífica vocalista que posee ese timbre de voz universalmente agradable, que nunca fuerza en las notas altas, firme y convincente en su contenido sentimental y tan precisa como cualquier cantante pudiera soñar. Un disco indispensable tanto para sus fans como para quienes por alguna razón todavía no han descubierto a esta brillante artista estadounidense, verdaderamente única en su clase.

Tok Tok Tok - Oh Lord (to Ray Charles) (2006)

Detrás de este curioso nombre se encuentra un grupo de origen alemán (Friburgo) que apuesta por una fusión casi perfecta entre el jazz acústico y el soul. Aunque el número de componentes ha ido variando entre tres y cinco a lo largo de estos años, desde 1998 su núcleo lo constituyen Tokunbo Akinro (cantante y letrista) y Morten Klein (composición, saxofón). El grupo siempre ha exhibido un curioso mestizaje: así Tokunbo es hija de alemán y nigeriana, Morten es hijo de alemán y danesa, y el grupo ha tenido colaboradores nativos de Islandia, EE.UU. y Gran Bretaña.

Como bien señala Santiado Tadeo, aunque la banda se ha caracterizado por sus versiones de temas clásicos (The Beatles, Stevie Wonder, Ray Charles) en clave jazz/soul, con el tiempo su música ha ido ganado variedad y han ido incorporando a su repertorio sus propias composiciones, influenciados por el soul de los 60, pero con unos arreglos a medio camino entre el jazz contemporáneo, pop y acid jazz. Han sabido construir, a través de sus nueve álbums de estudio y dos directos, un sonido personal, cada vez más ecléctico, integrando también elementos del funk, rnb y nu-soul, que seguro gustará a cualquier amante de la música negra con preferencia hacia el groove. Este tema en homenaje a Ray Charles es un buen ejemplo de lo que se acaba de comentar.

Will Downing - Lust, Love & Lies (2010)

"Realmente este trabajo había estado en mi mente desde hace cinco años. No sabía cómo enfocarlo. Entonces, cuando empecé a escribir canciones, comenzó a tener sentido como una historia. Nunca había hecho antes un disco como este. Es la primera vez que he dicho: ¿Saben qué? Hagamos algo completamente diferente" Así se expresaba el propio artista para referirse a su último trabajo Lust, Love and Lies, publicado el pasado 11 de setiembre bajo el sello Peak Records.

El veterano crooner lo ha planteado como si fuera la banda sonora de una telenovela (An Audio Novel -así reza el subtítulo del disco-), con todos los ingredientes de una historia de amor que seguramente todos hemos vivido en algún momento: el encuentro inicial, el coqueteo, la primera fecha, la escalada, la pasión ... Lo que sigue es difícil de predecir: el compromiso sólido y devoción eterna para algunos, la desilusión o incluso la traición para los demás. Algunas historias tienen finales felices para siempre, otras no tanto. Así pues de la mano de grandes productores como Rex Rideout y Chris "Big Dog" quiere contarnos una historia de amor. El resultado final de su decimoquinto álbum se sale de la norma aunque no sea tan original como cree, con diálogos hablados intercalados entre las once pistas mientras nos cuenta -como si de una tira de viñetas fuera- este romance en el que Dyana Williams ejerce el papel de mujer con su voz sexy. Como en cualquier buena historia es mejor no adelantar el final. Si sentís curiosidad ya sabéis lo que tenéis que hacer. Impulsado por Anthony Jackson (bajo), Randy Bowland (guitarra) o el propio Chris "Big Dog" Davis (teclados) se reafirma como una de las grandes voces de la música negra de nuestro tiempo con el encanto de su poder de seducción y su intemporal rnb/jazz sofisticado. Suavidad como la seda, su timbre barítono de voz tan ágil y lleno de matices que logra transformar un apretón de manos en un abrazo y un susurro en un beso. Son ya quince los discos editados por el de Brooklyn, nada tiene que demostrar este maestro indiscutible del smooth sound.

 
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